Gravity, de Alfonso Cuarón

Cuando se anunció el estreno de Gravity, la atención de espectadores y crítica se centró en la parte visual. Se hablaba de una reinvención del 3D, de una experiencia sensorial que te transporta al espacio exterior y que cumple los deseos de aquellos que alguna vez quisieron ser astronautas. ¿Cuándo pasó algo parecido, cuándo se formó tanto revuelo por innovaciones visuales? Ah, sí. Avatar.

Y sin embargo y al contrario que en la película de James Cameron, Gravity funciona también en la trama. Sigue una estructura simple, el viaje iniciático que todos conocemos desde La Odisea: protagonista con apenas experiencia se encuentra en una situación límite y debe superar una serie de obstáculos para volver a casa. Mientras tanto, se van revelando características del protagonista para que empatices con él. “Todo es Ulises” decía la escritora Irati Jiménez, quien a su vez lo escuchó de su profesor de guión en la Universidad de Navarra. Y a pesar de todo, la película funciona, atrapa al espectador y consigue hacerte olvidar cosas como Miss agente especial.

 Sandra Bullock ha querido reinventarse y no ha podido escoger una película más difícil para hacerlo. Embutidos en sus trajes espaciales, tanto ella como George Clooney dependían únicamente de su voz y su lenguaje corporal, entorpecido por la gravedad cero, para transmitir. Hasta sus rostros permanecen ocultos en gran parte del film.

George Clooney no brilla, pero no porque trabaje mal, sino porque Gravity es una historia de un único personaje, y Bullock tiene la misión de sostener la trama casi todo el tiempo. Cuarón sabía dónde se metía y por eso recurre a giros y estructuras de guión seguras y mil veces probadas, y de paso consigue imágenes que dejan con la boca abierta. Esa visión de la astronauta en posición fetal, flotando dentro de la nave, se queda grabada en la retina del espectador.

Es posible que uno de los mayores fallos de este guión sea, precisamente, ensalzar el personaje de Bullock de tal manera que llega a resultar forzado. La primera premisa del buen cine es “enseña, no cuentes”, y casi todo lo que sabemos de la doctora Ryan Stone se nos dice y no se nos muestra. “Tenía una hija y murió”, ergo, te caigo bien y deseas que regrese a la Tierra. La situación da poco margen para que las acciones de la doctora definan su personalidad. Pero aún así te perdonamos, Gravity.

Se ha hablado mucho de las licencias de guión que se han tomado científicamente hablando. Pero estamos hablando de cine. Si a alguien realmente le importa que la estación espacial y el telescopio Hubble estén en órbitas distintas, es que no sabe disfrutar de la ficción cinematográfica.

Gravity es, por último, una película maravillosa para ver en pantalla grande y una historia que engancha, con una premisa muy interesante. Este tipo de “cine espacial”, que no ciencia-ficción, ofrece muchas posibilidades más allá de lo que enseña esta película, así que constituye un estupendo punto de arranque a obras más ambiciosas e, indudablemente, se trata de un punto de inflexión en cuanto al uso de la tecnología visual. Bien hecho.

Batman: the dark knight rises, de Christopher Nolan

Buena

Christopher Nolan lo tenía muy complicado cuando se sentó a escribir el cierre de su espectacular trilogía sobre Batman.  Si ya Batman Begins había sido de las mejores películas sobre este superhéroe de DC que se habían hecho hasta la fecha, El caballero oscuro fue una auténtica obra maestra. ¿Cómo podía rebasar Nolan ese listón que él mismo se había dejado tan increíblemente alto?
Heath Ledger, el Joker que sin duda fue el responsable de gran parte del éxito de El caballero oscuro, ya no estaba entre nosotros. La pregunta era "¿podrá superarse Nolan a sí mismo?

Poster oficial  de la película.

La respuesta: casi. La última entrega de Batman es una gran película a la altura de la primera parte, pero que queda muy por debajo de la segunda en cuanto a trama. Es muy posible que la culpa sea de que el villano en este film, Bane, no alcanza la complejidad moral y por tanto el reto que representaba el Joker. Bane se dedica a continuar lo que empezó su maestro en Batman Begins. Su manera de sumir a Gotham en el caos es apelando a algo tan actual como el hartazgo de la corrupción y el ansia de libertad del pueblo, lo que es una estrategia muy acertada. El hecho de que la tercera parte retome de algún modo la trama de la primera hace que se cierre el ciclo, pero ¿no habría ofrecido muchas más posibilidades recurriendo a otros villanos del cómic?

El villano Bane (Tom Hardy) versus Batman (Christian Bale)

Nolan, como siempre, hace a sus personajes humanos y realmente creíbles. Es de admirar que haya conseguido una Catwoman que los espectadores no odian (aunque tampoco se hace querer: nos limitamos a aguantarla y punto). Sin embargo tampoco tiene un papel realmente relevante: el único momento en que verdaderamente se hace necesaria es cuando acaba lo que Batman lleva intentando hacer en toda la película y no ha conseguido. Por respeto al espectador, Nolan debería haber tenido en cuenta una cosita: lo que no puede hacer Batman no lo tiene que hacer Catwoman.

Visualmente es evidente que no se puede criticar absolutamente nada: uno disfruta viendo la película de principio a fin, como un niño, pero hay algunos fallos de guión tan enormes que le pueden sacar a uno de la película: dos horas insistiendo en que Gotham está sitiada y nadie puede entrar ni salir, y de pronto, ¡anda! Batman ha vuelto del exilio por arte de magia. Y a pie.

Catwoman, más o menos creíble, interpretada por Anne Hathaway. 

En fin, dejemos de ponernos puntillosos. Esta crítica sería totalmente diferente si El caballero oscuro no fuera tan insuperable. Si  The dark knight rises , su trama y su villano perteneciesen a la segunda entrega, no habría quejas. Pero hay que tener cuidado con las trilogías y con lo que dejas atrás.

Batman: the dark knight rises es una película muy recomendable que merece la pena ir a ver al cine, en Imax, en 3D y en todo lo que a uno se le ocurra, pero la experiencia será mucho mejor si olvidas todo lo que sentiste al ver El caballero oscuro y piensas que Batman es Batman y lo puede todo.

Chronicle, de Josh Trank

Entretenida

Chronicle es una película que en un principio promete mucho, pero que desgraciadamente no llega a cumplir casi nada.
Narra la historia de tres adolescentes que, tras encontrar un misterioso meteorito, adquieren superpoderes tales como volar y mover objetos con la mente. Lo novedoso del film es que los protagonistas no se convierten en superhéroes, sino que se comportan como adolescentes reales: hacen gamberradas, se divierten a costa de sus poderes, impresionan a las chicas y dan algún escarmiento a los matones del instituto.
La situación se complica cuando Andrew, que a diferencia de sus compañeros es un chico asocial y con muchos problemas familiares, consigue aumentar sus poderes y, con ellos, su ambición.
El planteamiento y la estética atrapan en un principio: la técnica del falso documental o mockumentary, que hace que toda la película esté grabada por la videocámara de Andrew, da la impresión de ser original e interesante. Sin embargo, no es la primera película de alto presupuesto que utiliza este recurso: Monstruoso, de Matt Reeves, o la española REC también muestran este tipo de planos continuamente.
El efecto positivo de esta técnica es la credibilidad: el espectador se mete en la historia mucho más fácilmente. El efecto negativo es, por sorprendente que parezca, la falta de credibilidad.
Y es que a partir de la mitad de la película, al guionista Max Landis se le va de las manos. Los malabares que hace para conseguir imágenes de todo lo que está pasando llegan a ser cómicos sin pretenderlo. Las infinitas cámaras de seguridad de los establecimientos, la cámara que deja grabando la policía "porque es importante para la investigación"... El punto álgido se da en el clímax, cuando Andrew utiliza su telequinesis para rodearse de teléfonos móviles y conseguir así una panorámica circular que distrae al espectador completamente del guión (que a esas alturas de la película ya es inexistente: se limita a explosiones y coches que vuelan).
Chronicle es, en definitiva, una buena idea, desarrollada de forma muy arriesgada pero que lamentablemente se pierde y no llega a ninguna parte. Eso sí, si lo que uno busca es pasar un rato entretenido y disfrutar de unos efectos especiales espectaculares (y los de esta película ciertamente lo son, y se merecen todo el mérito del mundo) Chronicle es una buena opción.

El cine digital viene para quedarse

Hace pocos meses estrenábamos el año 2012 con una triste noticia para el mundo de la fotografía y el cine. El once de enero la empresa Kodak se declaró en bancarrota. La compañía, fundada por George Eatsman en 1892, no ha podido soportar sus enormes pérdidas y ha entrado en concurso de acreedores. Pero es mucho lo que se le debe a Kodak. Esta compañía ha sabido hacer la fotografía y el cine accesibles a todos: con cámaras y carretes  sencillos de usar y la llegada del cine en formato 8 milímetros, Kodak se abría al mundo amateur, marginado por el resto de marcas. Por algo es (o era) la principal suministradora de películas cinematográficas en todo el mundo tanto para profesionales como para no profesionales; cuando nos imaginamos la típica película desfilando ante un proyector, seguro que es una Kodak. Sin embargo parece que con su desaparición el mundo del celuloide está sentenciado. Escasean los fotógrafos que utilizan cámaras de carrete, y cada vez son menos los directores que utilizan ruedan con celuloide. El paso a lo digital es obligado.

"The Artist" arrasa en los premios BAFTA

Anoche se celebró la 65 edición de los premios de cine otorgados por la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de Televisión (BAFTA), en la que The Artist se llevó la mayoría de galardones, Meryl Streep fue la protagonista femenina y "La piel que habito" puso la representación española.

"The Artist", la cinta muda y en blanco y negro, se erigió como la gran protagonista de la noche consiguiendo siete de los doce premios a los que optaba, entre los cuales destaca el galardón que se llevó como mejor película, categoría donde se impuso a "Los Descendientes", "Drive", "Criadas y Señoras" y "El Topo".

Siguiendo con el triunfo del film francés, Michel Hazanavicius (The Artist) se impuso en la categoría de mejor director a Martin Scorsese ("La invención de Hugo"), Nicolas Winding Refn ("Drive"), Tomas Alfredson ("El Topo") y Lynne Ramsay ("Tenemos que hablar de Kevin"). Mientras que el actor galo Jean Dujardin (The Artist) hizo lo propio en la sección de mejor actor, en la que competía con Brad Pitt ("Moneyball: Rompiendo las reglas"), George Clooney ("Los Descendientes"), Gary Oldman ("El Topo") y Michael Fassbender ("La Vergüenza").

Drive: grandes expectativas, mayor decepción

La verdad es que cuando fui al cine a ver Drive había leído varias críticas que la ponían bastante bien, incluso de obra de culto. Pero transcurridos los primeros 15 minutos en los que se nos muestra una más que interesante persecución, tengo que decir que el resto de la película me la podría haber ahorrado: lenta, poco original y desconcertante.


El film puede dividirse en dos partes distintas: la primera trata de un pacífico conductor que por el día trabaja en un sencillo taller y por las noches es un chófer de ladrones; y en la otra parte se nos muestra a un despiadado asesino que no duda en matar cruelmente a quien se le ponga por delante, tomándose su particular venganza. De una parte a otra se produce un cambio de la historia tan exagerado, confuso e inexplicable que lo único que consigue es sacarte de la película.

En cuanto a los personajes, no termino de creérmelos. En mi opinión, Ryan Golsing, intérprete del protagonista, realiza un papel que deja mucho que desear: parece destinado a dar vida a un personaje frío, solitario, calculador... Y sin embargo, en pantalla vemos a un tipo soso, inexpresivo y bastante aburrido. Y por otro lado, Carey Mulligan (Irene) sigue el mismo patrón que su compañero de reparto, encarna a un personaje que no transmite nada, ni el más mínimo sentimiento.

'Pa negre' se queda sin ir a los Oscar

Finalmente, España no tendrá representación en los Oscar 2012 en la categoría de Película de habla no inglesa, ya que Pa negre, de Agustí Villaronga, no ha logrado pasar a la siguiente fase de selección.

La película no ha sido incluida entre las nueve precandidatas, entre las que se han quedado las siguientes:

Bullhead (Bélgica)
Monsieur Lazhar (Canadá)
Superclasico (Dinamarca)
Pina (Alemania)
Nader y Simin, una separación (Irán)
Footnote (Israel)
Omar Killed Me (Marruecos)
In Darkness (Polonia)
Warriors of the Rainbow (Taiwan)

Ahora se queda en el aire la duda de si las cosas habrían ido mejor en el caso de que hubiese sido La piel que habito, de Pedro Almodóvar, la elegida para representar a España. Esta última parece ser que ha llamado más la atención con respecto a las galas de premios: estuvo nominada en los Globos de Oro, en los Premios del Cine Europeo y también a los BAFTA, mientras que Pa negre ha pasado desapercibida.

Nader y Simin, una separación, es una de las favoritas para llevarse el premio. El día 24 de enero conoceremos la lista completa de nominados a los Oscar de este año.

La dama de hierro, de Phyllida Lloyd

Muy buena

El problema de las críticas que se han escrito estos últimos días sobre la película La dama de hierro es que la enfocan de manera equivocada. Que nadie se engañe: esta película no es exactamente un biopic sobre Margaret Thatcher y, por tanto, tampoco puede ser propaganda del Partido Conservador británico. Esta película es un espléndido ensayo sobre el duelo: el duelo del amor, el duelo del poder y el duelo de la juventud.

Meryl Streep está absolutamente sublime en un papel que comienza retratando a la implacable Thatcher inmersa en su demencia senil, la cual la lleva a aferrarse al recuerdo de su marido fallecido hasta el punto de ver visiones. De una manera fluida y en ningún momento aburrida (el tedio era uno de los riesgos de hacer un film que parece político, pero que en realidad es totalmente íntimo y personal) se van enlazando diversos momentos de la carrera de Margaret Thatcher: su ambiente familiar, sus comienzos en el Partido Tory, su inclemente escalada hasta el gobierno, el conflicto de las Malvinas y la guerra contra el terrorismo del IRA.

Finalistas de los premios Goya 2012

Os dejamos con el listado de las principales nominaciones para los premios Goya, que se entregarán el próximo 19 de febrero.
Encabezan la lista La piel que habito, con 16 nominaciones; No habrá paz para los malvados, con 14; Eva, con 12 nominaciones, Blackthorn, que cuenta con 11 y La voz dormida, que opta a 9 premios.
 
Mejor película
-Blackthorn. Sin destino, de Mateo Gil
-La piel que habito, de Pedro Almodóvar
-La voz dormida, de Benito Zambrano
-No habrá paz para los malvados, de Enrique Urbizu

Mejor actor protagonista
-Daniel Brhül por Eva
-Antonio Banderas por La piel que habito
-Luis Tosar por Mientras duermes
-José Coronado por No habrá paz para los malvados


Mejor actriz protagonista
-Verónica Echegui por Katmandú
-Salma Hayek por La chispa de la vida
-Elena Anaya por La piel que habito
-Inma Cuesta por La voz dormida

Mejor dirección
-Mateo Gil por Blackthorn. Sin destino.
-Pedro Almodóvar por La piel que habito.
-Benito Zambrano por La voz dormida
-Enrique Urbizu por No habrá paz para los malvados.

Keanu Reeves se pasa al otro lado de las cámaras

Keanu Reeves se pasa a la moda de los actores-directores y debutará tras las cámaras con la película Man of Tai Chi. Reeves no sólo dirige, sino que también es el responsable del guión y se ha reservado el papel de villano.

Aún no ha dado a conocer demasiados detalles del argumento, solamente se sabe que Tiger Chen (quién trabajó como especialista en Matrix) será el protagonista, y, según declaraciones de Reeves, encarnará a “un joven artista de artes marciales cuyas habilidades de combate le abren las puertas a un reino de vastas oportunidades, y dolorosas elecciones”.

El Cisne Negro y la figura del doble

[ATENCIÓN: Este post contiene spoilers] El cisne negro, de Darren Arofnosky, es un thriller psicológico sobre una bailarina que intenta lograr la perfección en la representación de los dos papeles principales de la obra “El lago de los cisnes”, lo que le lleva a desarrollar un estado de psicosis, para finalmente desembocar en el suicidio.

Desde un principio nos encontramos la figura del doble en el film, ya que los dos papeles que representa la bailarina son el mismo, pero con las cualidades contrapuestas: uno de ellos, el cisne blanco, retrata la pureza y la inocencia, mientras que el otro, el cisne negro, encarna la pulsión humana. Al ser la bailarina la encargada de representarlos a ambos, ve obligada a desdoblarse en estos dos roles.

A pesar de que la protagonista posee las cualidades del cisne blanco, necesita para alcanzar la perfección poseer también las características contrapuestas, propias del cisne negro para alcanzar la perfección. Es este deseo de “fundirse” con su otro yo el eje a través del que se desarrolla la película, y que se ve de forma gráfica en algunas de las escenas de la misma, como por ejemplo la escena de sexo entre Nina y su alter-ego Lily, su principal competidora, con la que desarrolla una actitud de amor-odio (dualidad desarrollada en más ocasiones a lo largo del film).

Esta actitud se explica porque es en Lily en quien Nina proyecta a su doble pulsional, que a la vez detesta y admira: es todo lo que la protagonista no es, pero a la vez necesita. Nina y Lily son, en definitiva, el mismo personaje pero con las cualidades contrapuestas: el cisne blanco y el cisne negro. En el filme, queda patente esta proyección en escenas como en la que preguntan a Lily “¿Sois hermanas?” y ella responde: “Sí, hermanas de sangre” (clara alusión a que encarnan a las dos partes de un todo), o también en la escena en la que se ve emerger de la oscuridad a Lily, para después, a la luz, comprobar que en realidad se trataba de Nina. Escena que por otra parte, muestra la asociación de la oscuridad y el color negro con el doble y la pulsión, y la luz y el blanco con la pureza (también expresado en la contraposición de  características del Cisne BLANCO, la pureza, y el Cisne NEGRO, la pulsión).

The Artist, amor por el cine.

Resulta que de vez en cuando, muy de vez en cuando, a algún director le da por salirse de lo establecido y ponerse a pensar en ideas rompedoras que a nadie más se le habían ocurrido. Si la cosa sale bien tendremos a un genio, si sale mal… nadie se dará cuenta. Pues 'The Artist' es eso. Una idea que puede parecer una locura pero que se convierte en la revolución del año y, aunque el tiempo lo dirá, en una auténtica obra maestra.

'The Artist' es una película del director francés Michael Hazanavicius, conocido en su país por películas como 'Mes Amis' o 'OSS 117: El Cairo, nido de espías' pero que apenas es nombrado fuera de él. Ha resultado ser el director de la película favorita del año y la que suena en todas las quinielas para llevarse el Oscar y, próximamente, los Globos de Oro. Una película muda en blanco y negro que vuelve a los orígenes del cine cuando el resto de salas se llenan con films en 3D cargados de efectos innecesarios.

Un dios Salvaje, de Roman Polanski

La historia es sencilla: dos niños discuten en el parque, uno pega al otro y los padres de ambos deciden reunirse para tratar de solucionar el conflicto de forma racional y civilizada. Sin embargo el inicial tono conciliador y moderado acaba derivando en una guerra a cuatro bandas en la que los progenitores acaban siendo peores que los niños. Y es que Un dios salvaje viene a decirnos que tras la fachada de mundano civismo que todos nos hemos ido construyendo aun sigue existiendo una parte irracional con sus pequeñas (o no tan pequeñas) rabietas, egoísmos y enfados.

Polanski sitúa la acción en único espacio y tiempo. La película se desarrolla enteramente  en el interior de un apartamento de Nueva York (salvo los títulos de crédito iniciales y finales donde se nos muestra un parque). Nada de efectos especiales, elipsis ni saltos hacia adelante o hacia atrás, lo que ocurre es lo que vemos: tan solo cuatro personajes en un escenario. Esta sencillez y economía de recursos, que lejos de desmerecer aumentan el atractivo de Un dios salvaje, es herencia directa de la obra teatral que la inspira, Le dieu du carnage, de Jasmine Reza, aunque Polanski ha explotado más la vena humorística del asunto.

"Melancolía" se lleva la victoria en los European Film Awards

Horas antes de que comenzaran los European Film Awards (Premios del Cine Europeo), empezaban las apuestas: ¿quién se llevaría el honor de ser la "Mejor película" de este año? "The artist", la película francesa que ha conquistado los Estados Unidos -y que por tanto, tenía mucho terreno ganado- sonaba con fuerza, dejando en un segundo puesto a “Melancolía”, del polémico Lars Von Trier, aunque finalmente fue esta película la que se hizo con el deseado galardón.

Estas dos películas, que partían como las grandes favoritas, vieron a lo largo de la noche cómo los premios se iban distribuyendo de forma ecuánime por los diferentes largometrajes, sin dejar que ninguno de ellos arrasara y se llevara todos los galardones (costumbre que, por cierto, han adquirido últimamente en los Premios Goya).

Nominaciones a los Film Independent Spirit Awards 2012

Ya conocemos quiénes son los nominados para la 27º edición de los Spirit Awards, premios que concede anualmente Film Independent, una organización sin ánimo de lucro que colabora en la expansión del cine independiente. Con estos galardones se pretende reconocer el valor de las películas enmarcadas en este tipo de cine, sin mostrar predilección por los criterios puramente mercantiles: podemos encontrar desde films elaborados con presupuestos ajustados hasta algunos realizados por directores consolidados en el panorama artístico.

Las películas “Take shelter”, de Jeff Nichols y “The artist”, de Michel Hazanavicius, se han llevado la palma, con cinco nominaciones cada una. Esta última parte como una de las grandes favoritas, debido a las buenas críticas que está cosechando allá por donde pasa. Un ejemplo de ello es su reciente victoria en los premios que concede el Círculo de Críticos Cinematográficos de Nueva York.

Todas las canciones hablan de mí

Entretenida

 Aunque no es un estreno de actualidad, ahora que comienzan a gotear las noticias sobre la próxima edición de los premios Goya nunca viene mal dar un repaso a los finalistas de anteriores ediciones.

La ópera prima de Jonás Trueba debe situarse en su contexto personal y profesional: hijo del oscarizado cineasta Fernando Trueba y sobrino del guionista David Trueba, él no podía hacer otra cosa que tratar de destacar ante esos credenciales y, a su vez, apartarse de ellos.

Quizá es porque Jonás estaba buscando esa fórmula tan complicada por lo que estrenó su primera película cuando rondaba la treintena. Y quizás por eso le ha dado demasiadas vueltas y ha cargado su film de referencias cinematográficas, grandes alardes de cultura en diálogos a veces poco creíbles y ambiciones algo perdidas.

Y es que el melodrama romántico (y entretenido, sin duda) que es “Todas las canciones hablan de mí” parece que sabe donde va, pero a su vez no lo tiene tan claro. Durante la historia de amor y desamor de Ramiro y Andrea se masca la influencia de la nouvelle vague francesa en una versión light que sólo despunta en recursos como el interminable plano de la espalda del protagonista escuchando “La estación de los amores” de Battiato, pero que en definitiva no consigue aportar al discurso nada realmente significativo.

Eva Hache presentará los Goya 2012

La presentadora y humorista Eva Hache tomará el relevo de Andreu Buenafuente y será la encargada de presentar la XXVI edición de los Premios Goya. El presidente de la Academia de Cine Español, Enrique González Macho, ya mostró su deseo de que fuera una mujer la encargada de llevar la gala, y esta mañana ha confirmado en una rueda de prensa que, efectivamente, así será.

La gala se celebrará el 19 de febrero en el Palacio Municipal de Congresos, a pesar de que González Macho se mostraba partidario de buscar otro escenario más grande, cosa que finalmente no pudo ser. Esta será también la primera edición tras el cambio de Gobierno, por lo que veremos entre los cineastas al nuevo ministro de Cultura, que sustituirá a Ángeles González-Sinde. Este nuevo ministro será el centro de todas las miradas, debido a la incertidumbre que se cierne sobre el cine español, por la posible política que defenderá el Partido Popular.

"Amanecer" entra en el ranking de los mejores estrenos de cine de la historia

El pasado viernes 18 de noviembre se estrenó en todo el mundo la penúltima entrega de la saga Crepúsculo: Amanecer (I Parte). Solo en Estados Unidos recaudó 72 millones de dólares, lo que le hace ocupar el tercer puesto en mejores arranques cinematográficos de la historia. El primer puesto del ranking está presidido por otra saga de gran repercusión: Harry Potter, concretamente, la película del desenlace: Las reliquias de la muerte, que consiguió nada más y nada menos que 91 millones de dólares.

El segundo y cuarto puesto lo ocupan las dos películas anteriores de Crepúsculo: Luna Nueva (72,8 millones de dólares) y Eclipse (68 millones de dólares).

Si cruzamos el charco y hablamos de España nos encontramos con una "victoria" aplastante: rozó los tres millones de euros, pasando a ser el mejor estreno de todos los tiempos. Con esta cifra desbancó al número uno, que hasta el pasado viernes había sido Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto. También consiguió superar al mejor arranque del año, obtenido por una película española: Torrente 4. Lethal Crisis, de Santiago Segura, con la que se recaudaron dos millones y medio de euros el día de su primera aparición comercial en la gran pantalla.

Interferències, una película "indignada" y la primera con licencia CC

La licencia Creative Commons (CC) es un sistema que pusieron en marcha los partidarios de la cultura libre en 2001 y que consiste en una especie de "pacto" global de respeto a la autoría de todo tipo de contenidos, una alternativa al copyright mucho más abierta y flexible.
Este viernes 18 de noviembre se ha estrenado en Barcelona la primera película española con licencia CC, Interferències, que se estrena simultáneamente en cines y en Internet. Se trata de un proyecto audiovisual y educativo que ha puesto en marcha el Observatorio de la Deuda de la Globalización  (centro de investigación de la deuda financiera) y la Fundación Quepo, que nace de la situación de indignación y descontento de la sociedad actual debido a la crisis. El film se estrena en los Cines Alexandra y Cines Girona de Barcelona.
Además de la película, el proyecto cuenta con una página web, y ambas intentan explicar las causas de la crisis global y sus alternativas, poniendo nombre a los responsables y estudiando posibles soluciones.
En la creación de Interferències han colaborado de forma altruista más de 150 profesionales del cine, instituciones públicas y empresas audiovisuales. Su difusión y distribución se encuentra bajo licencia Reconocimiento-NoComercial-CompartirIgual de CC.
El objetivo no es sólo que el espectador reflexione, sino que participe en las alternativas presentadas, formando pare del proyecto.
El estreno en Internet se realiza por capítulos, el primero coincidiendo con el estreno en cines (18 de noviembre) y publicando una entrega por semana. La película entera se podrá visualizar on-line aquí a partir del 20 de diciembre.

Interferències Tràiler Subt. Castellano from Quepo on Vimeo.

George Clooney podría ser Steve Jobs en la gran pantalla

Noah Wyle

La productora Sony está preparando un biopic sobre Steve Jobs, cofundador de Apple que murió hace mes y medio, y baraja a Clooney como el posible protagonista. Según Now Magazine el célebre actor de Hollywood competiría por el papel con Noah Wyle, que ya encarnó al empresario en el telefilm "Piratas de Silicon Valley" de 1999.
Pocos días después del fallecimiento de Jobs, Sony compró los derechos de la biografía escrita por Walter Isaacson, exredactor jefe de la revista Time y de la CNN. El encargado de adaptar el guión será Aaron Sorkin, autor de "La Red Social" (David Fincher, 2010). El productor de la película, Mark Gordon, tiene en su currículum éxitos como "Salvar al soldado Ryan" (Spielberg, 1998).

Una vez decidido el reparto de actores, se prevee que el rodaje de la película comience el próximo año.